Hoy se publica el suplemento "Eu Son Charlie" junto con los periódicos El Diario de Pontevedra y El Progreso de Lugo donde aparecen tres viñetas en las que he participado: una como autor completo en dibujo y guion y otras dos con guion mío dibujadas por dos compañeros de O Garaxe Hermético. Además se publican trabajos del resto de mis compañeros junto a dibujantes profesionales como Kiko Da Silva, Jano, Kohell, entre otros.
![[Garaxe] A Vila dos debuxantes do Norte](https://piuley.blogia.com/upload/20140725121553-10390890-659849477442732-7162079033402866363-n.jpg)
El 8 de agosto de 2014, durante la feria Viñetas desde o Atlántico en A Coruña, se presentará el álbum "A Vila dos debuxantes do Norte" en el que hemos participado prácticamente todos los alumnos de la Escuela de Banda Deseñada O Garaxe Hermético. Cada alumno ha creado una historia protagonizada por un dibujante diseñado para la ocasión.
Después de la presentación, los autores estaremos en varios stands de la feria firmando ejemplares. ¡Espero que vengáis!
Artículos en prensa (en gallego):
http://www.metropolesdelirantes.com/2014/07/a-vila-dos-debuxantes-do-norte/
Siempre me ha encantado el personaje de Batman, y he leído una cantidad bruta de sus cómics, sobre todo gracias a los coleccionables de Planeta de Agostini que recopilaron algunas de sus mejores etapas (especialmente la impresionante Tierra de Nadie y su continuación). Pero nunca me había dado por seguir su serie regular por cómo las habían editado en España. Hasta ahora, que aprovechando el reinicio del nUDC, ECC ha empezado a publicar la etapa de Scott Snyder y Greg Capullo, una imprescindible desde el primer número.
Así que cuando empecé a probar los diferentes estilos de entintado, no pude si no resistirme a descargarme páginas a lápiz de Greg Capullo y, tras babear mucho por su impresionante trazo, imprimirla y ponerme a ello.
He aquí el resultado. Está hecho con un Pentel cuando empezaba a probarlos, así que el trazo es todavía muy irregular.
Y aquí la página original.
Aprovecho y dedico este post a Reyes Pérez ;)
Los Katzenjammer Kids son una serie de tiras cómicas clásicas que consitía en las travesuras de dos niños, uno rubio y uno moreno, y que siempre acababan mal.
Desde su origen, esta serie ha tenido innumerables versiones (de hecho, los propios Katzenjammer son una copia de "Max und Moritz"), algunas oficiales y otras directamente plagios, como los propios "Zipi y Zape" de Escobar.
Por lo tanto, como ejercicio de la Academia, nos pidieron crear nuestra propia versión de estos singulares sinvergüenzas, pero manteniendo nuestro propio estilo de dibujo.
Más información: Artículo de la Wikipedia sobre los Katzenjammer Kids
Hoy 14 de julio Piuley cumple 14 años y dado que también he terminado el primer año en la academia O Garaxe Hermético, con motivo de las dos celebraciones he decidido publicar el trabajo final que nos han encargado: una página de Little Nemo tal y como la hubiera dibujado el propio Winsor McCay en su tiempo.
Intenté imitar el estilo de dibujo y coloreado al máximo pero en la historia me tomé alguna libertad, dado que McCay acostumbraba a terminarlas en forma de pesadilla pero me gustaba la idea de hacer algo más positivo y que Nemo acabara teniendo un feliz sueño por una vez.
Está completamente dibujado con la Cintiq en vectorial y posteriormente le añadí un efecto de cuatricomía y una textura de papel antiguo para que se parezca más a las páginas originales de Little Nemo.
Los trayectos en autobús A Coruña - Pontevedra son bastante monótonos cuando llevas casi un año haciéndolos todas las semanas, pero a veces se puede aprovechar el tiempo abocetando.
En uno de los últimos viajes me llamó la atención una chica que iba leyendo El Anticristo de Friedrich W. Nietzsche (razones de mi fascinación) por lo que me animé a retratarla. No pensaba hacer nada con el dibujo pero al llegar a clase tocaba entintado, le enseñé el dibujo al profesor y le gustó tanto que me sugirió que lo entintara y lo utilizara como práctica para pintar con rotulador para darle iluminación de grises.
Aquí está el proceso desde el boceto, pasar a tinta hasta añadir los grises:
Y aquí el resultado final:
El paso del tiempo es un factor que influye en una gran variedad de cosas, pero sobre todo modifica el aspecto físico de las personas. Para dar credibilidad a los personajes de los cómics por lo tanto es decisivo que su imagen vaya cambiando según el tiempo avanza. No tiene por qué ser de forma absolutamente realista, sino más bien verosimil de forma que mantengan a lo largo del tiempo ciertas características a modo de constante mientras que se añaden otras que narren los acontecimientos por los que a vivido (por ejemplo una cicatriz).
El primer dibujo es el personaje inicial y los siguientes su evolución a lo largo de los años. Mantuve el flequillo y la forma de la nariz como detalles constantes y añadí una cicatriz que está relacionada con la personalidad aventurera y chulesca del personaje y su afición a meterse en situaciones peligrosas.
Los dos últimos dibujos son fruto de mi habitual exageración. Si hay que mostrar el paso del tiempo, se hace.
La segunda técnica de entintado utilizada es el pincel seco que, tal y como dice el nombre, consiste en lo contrario que la anterior: esta vez se utiliza la tinta lo más seca posible, para conseguir trazos entrecortados y un estilo que casi podríamos denominar "sucio" aunque muy útil para conseguir ciertos efectos.
En mi caso reutilicé el personaje de Ignus -procedente de Aracne- por sus propiedades ignífugas que se podrían adaptar perfectamente a la técnica del pincel seco. Así el fuego del pelo y la mano de Ignus tienen un trazo borroso, difuminado, intentano imitar las llamas reales.
En principio el personaje estaba completamente dibujado pero según fui entintando me pareció mejor cubrir el dibujo con una gran mancha de negro dejando solo blancos para la cara y la mano y crear así un mayor contraste. Debajo entinté el nombre de IGNUS de forma que casi parece un pin-up o una portada. El profesor Fran Bueno estuvo bastante contento con el resultado.
De todas formas, una vez escaneado le hice unos retoques, poniendo la imagen en blanco y negro puros para todavía enfatizar más el contraste y además recorté la imagen para que el negro llenara la mayor zona posible.
¿Cuál de las dos versiones es mejor?
En entintado hemos practicado la técnica del pincel aguado consistente en destilar la tinta una vez en el pincel, mojándolo brevemente en agua. De esta forma se consigue que la tinta no dé un tono negro puro sino una serie de tonos grises que se pueden calibrar según la cantidad de agua utilizada.
Para la práctica decidí dibujar a una chica, concretamente una actriz joven y famosa, pero dado que el resultado no es muy parecido me reservo su identidad (y si se reconoce, ¿para qué voy a decirlo? un cómico nunca explica sus chistes).
Primero esbocé a lápiz un boceto:
Posteriormente lo escaneé e imprimí en blanco y negro:
Y finalmente con el pincel aguado di los diferentes tonos de gris.
Aunque estoy bastante contento con el resultado final, el profesor Fran Bueno me demostró que el fondo no se distingue lo suficiente del personaje, ya que uso tonos de gris demasiado similares. Es cierto, porque los brazos si no fueran por la línea negra, no se distinguirían de lo que hay detrás.
Tengo que trabajar más con los grises y lograr tonos más diferentes.
El movimiento es básico a la hora de dotar de vida a un personaje, pero cuando dibujamos no solo nos tenemos que limitar a humanos o animales sino que podemos adaptar esos movimientos, esas poses, a las de otros objetos que en la realidad no tienen tal vida. El ejemplo más evidente es la alfombra mágica en la película de Aladdin de Disney, donde un simple trozo de tela se comporta con vida y transmite sentimientos y emociones como si fuera un personaje más.
En clase lo que tuvimos que hacer era justamente lo contrario: nos enseñaban fotogramas de la película con la alfombra en alguna posición y teníamos que descubrir cuál era la referencia humana.
El color en los cómics es una parte más importante de la que se puede tener idea en un principio. No se limita simplemente a dotar de colores planos a los personajes y objetos, sino que un color bien usado favorece la narración, ayudando al lector y aportándole una potenciación de los efectos buscados por el guionista y el dibujante. Pusimos estos conceptos en práctica con el siguiente ejercicio de color narrativo.
Aquí está la página original:
Lo primero que hice fue una prueba de color en digital para definir qué viñetas quería que tuvieran mayor intensidad dramática, y por lo tanto deberían estar dominadas por colores cálidos de tonos rojos y anaranjados. Las viñetas que llamaran menos la atención debían de estar por lo tanto en colores más suaves con tonos azulados y verdes.
Finalmente me puse a dar color con acuarelas, primero con los tonos basados en la prueba de color y luego añadiendo progresivamente cada vez más detalle.
Resultado final:
No soy muy diestro dando color manual, me falta mucha práctica sobre todo con las acuarelas y además mis herramientas no eran las más adecuadas. Espero que con un poco más de práctica pueda ir mejorando.
Los cómics de Gianni de Luca se caracterizan por apenas tener viñetas. Su estilo es muy teatral y se aleja de los aspectos básicos de la narración secuencial para representarlo todo en grandes viñetas que ocupan por completo cada página enfocándose en el escenario, en donde sucede la acción a base de repetir las figuras a lo largo del mismo. Su adaptación de Hamlet es un buen ejemplo:
Al igual que hicimos con Atlas y Axis, tuvimos que modificar el estilo de la anterior página, de uno estilizado y realista a otro más cartoon. Dado que Atlas y Axis estaba protagonizado por animales y lo convertimos a humanos, en este caso hice al revés y convertí a los personajes en diferentes animales. Para ello utilicé referencias como fotografías, el cómic Blacksad y e incluso imágenes de la película Tod y Toby. He aquí el resultado:
Los diferentes estilos de dibujo aportan un elemento diferenciador que si es adecuado para la historia que se quiere contar no solo la complementa, sino que la completa de muchas formas, aportando mayor credibilidad e identificación con el lector.
El antropomorfismo consiste en dotar de aspectos humanos a seres u objetos que no lo son, una técnica que hemos ido viendo desde que somos pequeños, siendo Mickey Mouse o Bugs Bunny algunos de sus mayores y más famosos exponentes.
Atlas y Axis es una serie de cómics españoles que utilizan esta técnica. Sus personajes son héroes con forma de animales, que además son dibujados con una estética cartoon muy bien conseguida.
Como ejercicio teníamos que transformar los personajes de la página anterior a un aspecto más humano. He aquí el resultado:
Continuando con la temática de la semana pasada hicimos diversas pruebas imitando el siguiente dibujo de Hugo Pratt:
Aquí mi versión con la mano derecha:
Con la mano izquierda:
Y el más difícil todavía, con la mano izquierda y con el dibujo al revés:
Nuestro cerebro se comporta de diferente manera según el hemisferio que estemos usando y según lo que nos comentaron en la academia esto repercute en qué mano usamos más. Por ejemplo los diestros utilizamos más el hemisferio derecho.
Una de las peculiaridades a la hora de dibujar es que nos quedamos más con la idea que nos transmite lo que queremos dibujar, que su forma real. Tenemos ya ideas preconcebidas y no prestamos tanta atención al objeto sino a cómo lo tenemos percibido de antemano.
Aquí dibujé con la mano derecha mi mano izquierda.
Según nos comentó el profesor la representación de la mano no se acerca a la realidad tanto como creemos, sino que deformamos la forma para adaptarla más a nuestras necesidades dibujando.
Esto no ocurre en el caso contrario, cuando forzamos al cerebro a dibujar con la mano contraria a la que estamos habituados. El siguiente dibujo está hecho con mi mano izquierda.
Aunque las líneas no son tan definididas, según el profesor las proporciones de la mano son ahora más correctas al estar utilizando el hemisferio contrario al que utilizamos habitualmente.
Uno de los pioneros en el mundo del cómic, sobre todo si nos centramos en la historia más reciente, fue el polifacético Winsor McCay, conocido también por otros logros como la animación con conocidos y representativos trabajos como el cortometraje Gertie el dinosaurio.
Pero la obra maestra de McCay es indudablemente la saga de Little Nemo, un cómic publicado dominicalmente en los periódicos de la época, a todo color, en entregas de una página compuesta enteramente por variadas viñetas que introducían al niño protagonista en las mayores y más inesperadas aventuras en el mundo de los sueños.
El estilo artístico de McCay destacaba por unos dibujos muy detallados, con viñetas repletas de elementos dibujados a plumilla con dos tipos de trazo diferentes: siluetas de línea gruesa y detalles de línea fina tal y como podemos observar en la siguiente imagen.
Para una de las prácticas de Historia BD tuvimos que recrear ese estilo tan definido lo mejor que pudieramos, imitando una de las viñetas finales del propio McCay. He aquí mi resultado:
Nunca se me ha dado bien colorear a mano, soy más bien de trazo rápido y tener que andar con cuidado procurando no salirme de las líneas me saca un poco de quicio. Por lo tanto no he utilizado mucho las acuarelas más que de forma autodidacta cuando hice algunas pruebas de color para unos proyectos que todavía no salieron a la luz. Conste que me fascina su resultado. Los artworks de Miyazaki o los cómics de Blacksad me parecen absolutamente increíbles.
Por lo tanto lo tuve bastante difícil cuando en la Academia nos pidieron realizar una copia de estas viñetas coloreadas con acuarelas, del cómic Aurore de Enrique Fernández. Sobre todo era para que aprendiéramos a ser capaces de transmitir escenarios completos únicamente con algunas pinceladas muy limpias, tal y como se observa en las viñetas originales.
En la primera hilera se ve que los dos personajes están situados en un campo de hierba tan solo con algunos toques de verde y amarillo. De manera similar en las siguientes viñetas se trata de un camino de tierra marrón con pequeños toques de rosa que evocan claramente que hay flores en el camino.
Aquí muestro el resultado de mi versión, claramente muy alejada del original. Para los trazos de los personajes tuve que dar negro con rotring porque todavía no domino nada bien los pinceles.
Kiko da Silva nos pidió como ejercicio de carnaval dibujar a un personaje de cómic disfrazado de otro personaje. Después de estar pensándolo un rato no podía quitarme de la cabeza dibujar a algún personaje disfrazado de Batman. Hablando con una amiga me sugirió que dibujara al Joker y pensé que disfrazarlo a él sería muy irónico y propio de su personalidad. He aquí el resultado.
En esta dirección se pueden ver los dibujos de algunos de mis compañeros: http://www.lavozdegalicia.es/album/pontevedra/2013/02/12/superheroes-disfrazados-superheores/01101360683739815328360.htm
Mike Mignola es un gran ejemplo de dibujante de claroscuros con un alto grado de contraste entre blancos y negros, como bien se demuestra en su obra maestra Hellboy.
Precisamente por ello hemos utilizado a Hellboy como ejercicio de entintado, para lo que intenté cuatro iluminaciones diferentes: frontal, trasera, cenital y casi nula.
Tan solo un apunte: tengo un error en la primera iluminación dado que el brazo tiene una sombra superior que no es coherente con el resto del dibujo.
Otra de nuestras asignaturas se llama Historia BD, consiste en intentar crear una especie de cronología con los orígenes y la evolución del medio de los cómics, que empieza mucho antes de lo que se cree.
Uno de los ejemplos primigenios más cercanos al cómic moderno serían los dibujos del autor suizo Rodolphe Töpffer (1799-1846), que poseía un estilo muy cercano a la línea clara que se popularizaría años después en el mercado belga, con Hergé como máximo representante.
En esta clase además de conocer su historia y algunos de sus trabajos, se nos pidió que intentáramos imitar su estilo dibujando una de las viñetas del anterior ejemplo.
Este fue mi resultado:
